The symphony orchestra is dead in the water, at least as far as contemporary music is concerned. Nobody can afford to commission new orchestral works, nobody wants to play them, and very few people want to listen to them. The future belongs in the hands of small specialized ensembles, and I can think of none finer than the Ensemble Aleph. Since 1983 Dominique Clément (clarinets), Sylvie Drouin (piano, accordion), Monica Jordan (voice) and Christophe Roy (cello) - later joined by Jean-Charles François (percussion) and Noémi Schindler (violin) - have been delighting audiences throughout Europe, premiering over 180 new works in over 500 concerts. Four of their seven available albums document their heroic work with the International Young Composers' Forum, a hugely important springboard for young composers to launch themselves into the world of new music.

One of their most original ideas was the Arrêts Fréquents project, which presented no fewer than 68 pieces lasting no more than thirty seconds. It was an idea that caught the imagination of Tennessee-born pianist Guy Livingston, in whose Newt Hinton Ensemble Christophe Roy played in the mid 1990s while Livingston was living and studying in Paris. Livingston's own highly acclaimed Don't Panic: 60 Seconds For Piano album on Wergo was the result. The Newt Hinton Ensemble is alas no more, but Guy Livingston has maintained strong links with both Paris, through the online music magazine he founded, www.paristransatlantic.com - of which I have the great honour of being Editor-in-Chief - and Aleph. He's also one of the world's leading experts on the music of another American ex-pat enfant terrible , George Antheil, so it should come as no surprise that an Antheil premiere features in the programme of the four concerts of American music Aleph has invited him to curate at the Théâtre Dunois. For this ambitious event Aleph's ranks will be swelled by members of another fine ensemble, Washington DC's Contemporary Music Forum. In addition to guest composers Steve Antosca, Douglas Boyce, Geoffrey Gordon and Jeffrey Mumford, all of whose work will be featured in the programme, the Théâtre Dunois will be welcoming Lina Bahn (violin), Carole Bean (flute), Bill Richards (percussion) and Lura Johnson (piano). And the irrepressible festival curator himself, Dr. Livingston I presume, will be performing music by, amongst others, Morton Feldman, Annie Gosfeld, Raymond Scott and Elliott Carter.

Those out there who seriously believe New York critic Kyle Gann when he talks of a veritable Grand Canyon separating Uptown (serious, serial, hardcore, academic) and Downtown (hip, minimalist, crossover, clubbing) New York should sit up and take note: Guy Livingston has never had any time for such petty parochialism; his tastes in music have always been as wide as they are deep, and no one school of composition is excluded for so-called ideological reasons. So concertgoers in Paris will have the rare treat of being able to hear the music of modernist grandmasters like Carter - 98 years young and still going strong -Bolcom and Reynolds alongside that of rising young stars such as Annie Gosfield, Geoffrey Gordon and Ned McGowan.

To establish the historical context for the extraordinary diversity of 21st century American music, Livingston's programme also reaches back into the rich topsoil of the 20th and pulls up a fistful of roots, including a selection of songs by Charles Ives (arranged by Dominique Clément) and Virgil Thomson's Le Berceau de Gertrude Stein (1928), which of course has a specifically Parisian resonance, commemorating as it does that most famous inhabitant of the rue Fleurus.

The four concerts are loosely organized along thematic lines: "Songs to Dance" takes its title from William Bolcom's 1989 work of the same name, and reminds us that the United States' single most influential contribution to music history in the 20th century was jazz and popular music. Libby Larsen's Corker for clarinet and percussion draws its inspiration from 1940s swing, and even the craggy tonalities and metric modulations of Elliott Carter's Sonata for Cello and Piano reveal syncopated rhythms. The programme also includes electronic music pioneer and cartoon soundtrack guru Raymond Scott's War Dance for Wooden Indians , arranged by Clément (movie buffs might like to know that Scott and his quintette can be seen playing the piece in the 1938 Roy Del Ruth musical Happy Landing). But if that all sounds too retro, be warned that Steve Antosca's for two features some nifty live laptop.

The abovementioned Ives and Cage pieces feature in the second concert, entitled "Process" which also includes Roger Reynolds's exquisite Transfigured Wind IV (1985), for flute and electronics, and the breathtakingly delicate I Met Heine on the Rue Fürstenberg , Morton Feldman's 1971 masterpiece for flute, clarinet, violin, cello, piano, percussion and mezzo-soprano. Minimalism of a different kind is also on the bill, in the form of Steve Reich's jaunty New York Counterpoint for clarinet and tape, which makes for a splendid contrast with the Reynolds piece written in the same year.

There's more vintage minimalism from Reich on offer on day two of the festival, with his 1968 classic Pendulum Music , in which microphones are allowed to swing across the performance space, triggering tiny blips of feedback when their path crosses horizontally mounted loudspeakers. This piece forms part of the "Machines" programme, which includes Annie Gosfield's Brooklyn, October 5, 1941 for piano played with two baseballs (can't get more American than that, can you?), the first performance of George Antheil's Serpents , a 75-second tour de force originally written for pianola and arranged by Livingston for six hands (three pianists on the same keyboard - that should be fun to watch), percussion pieces by Stuart Saunders Smith and Will Ogdon, and Ned McGowan's award-winning Tools , a furiously energetic suite of muscular miniatures with titles like "Wire Mesh", "Hole Punch" and "Dual Track Grinder".

The closing concert of the festival, "Dreams/Utopias", brings together the abovementioned Virgil Thomson song cycle Le Berceau de Gertrude Stein ou Le Mystère de la rue de Fleurus (1928), Ned Rorem's magnificent settings of Sylvia Plath's poetry, Ariel (1971), and Geoffrey Gordon's settings of poems by Plath's husband Ted Hughes, Fallen Eve, which will be receiving its French premiere. There's also a rare and not-to-be-missed chance to catch a performance of one of the truly seminal works of American experimental music, John Cage's Credo in US . Written way back in 1942 (though you'd never guess), this provocative and hilarious piece calls for piano, muted gongs, tin cans, electric buzzer and tom-toms, and also originally "radio or phonograph" (in this more up-to-date realization CMF uses a laptop in this ironic homage to the American Dream). Meanwhile, Bob Strizich's Corporate Miniatures ooze capitalist cynicism. The festival closes with George Crumb's 1976 Dream Sequence (Images II) for violin, cello, piano, percussion, and off-stage glass harmonica.

New music is neither a drab exercise in academic formalism nor a ragbag of vapid trendy clichés. It's an exciting, thought-provoking, vibrant and moving experience - and I can think of no programme as exciting, thought-provoking, vibrant and moving as this. Make sure you check it out.

--Dan Warburton, March 19, 2007

L’Ensemble Aleph prend le
Paris-transatlantique

Afin de célébrer ses liens étroits avec la France, l’ensemble Aleph donne carte blanche
au pianiste américain Guy Livingston pour un festival de quatre concerts au Théâtre Dunois
consacrés à la musique contemporaine américaine.

L’orchestre symphonique est tombé en
désuétude, du moins en ce qui concerne
la musique contemporaine. Plus personne
ne peut se permettre de commander de
nouvelles œuvres orchestrales, personne
ne veut les jouer et très peu de gens veulent
les écouter. L’avenir est entre les mains de
petits ensembles spécialisés, et j’ose dire
que l’un des meilleurs, c’est l’Ensemble
Aleph. Depuis 1983, Dominique
Clément (clarinette), Sylvie Drouin
(piano, accordéon, clavier électronique),
Monica Jordan (voix) et Christophe Roy
(violoncelle) - rejoints plus tard par Jean-
Charles François (percussions) et Noémi
Schindler (violon) - ont subjugué le public
à travers l’Europe, présentant la création
de plus de 200 œuvres au cours de plus de
500 concerts. Quatre de leurs sept albums
disponibles attestent d’un travail tenant
de l’héroïsme avec le Forum International
des Jeunes Compositeurs, un tremplin
essentiel pour les jeunes compositeurs qui
cherchent à se lancer dans le monde de la
musique contemporaine.
Le projet Arrêts fréquents qui mettait en
scène plus de 68 pièces dont la durée de
chacune ne dépassait pas trente secondes
fut une de leurs idées les plus originales.
Elle inspira l’imagination du pianiste
Guy Livingston, né dans le Tennessee
(Christophe Roy a joué dans son Ensemble
Newt Hinton au milieu des années 1990
alors que Livingston vivait et étudiait
à Paris.). Il en résulta Don’t Panic : 60
Seconds For Piano, joué par Livingston
lui-même, un album paru chez Wergo qui
connut un large succès. L’Ensemble Newt
Hinton, hélas, n’existe plus, mais Guy
Livingston a entretenu des liens étroits
d’une part avec Paris, à travers le magazine
de musique en ligne qu’il a fondé : www.
paristransatlantic.com
- dont j’ai le grand
honneur d’être le rédacteur en chef - et
d’autre part avec l’Ensemble Aleph. Il est
également l’un des principaux experts au
monde de George Antheil, un autre expat’
américain, enfant terrible1 de la musique
contemporaine. Donc cela ne devrait pas
surprendre qu’une première1 d’Antheil
figure au programme des quatre concerts
de musique américaine, puisque l’Ensemble
Aleph lui a donné carte blanche au théâtre
Dunois. Pour cet évènement ambitieux, les
rangs de l’Ensemble Aleph seront élargis
par les membres d’un autre bel ensemble,
le Washington DC’s Contemporary Music
Forum. En plus des compositeurs invités,
Steve Antosca, Douglas Boyce, Geoffrey
Gordon et Jeffrey Mumford, dont l’œuvre
figurera au programme, le théâtre Dunois
accueillera Lina Bahn (violon), Carole
Bean (flûte), Bill Richards (percussions),
Lura Johnson (piano), James Stern (violon,
alto) et Collin Oldham (violoncelle). Et Guy
Livingston en personne, que rien ne peut
abattre, je présume, interprètera parmi
d’autres Morton Feldman, Annie Gosfeld,
Raymond Scott et Elliott Carter.
Ceux qui se fient vraiment au critique
New Yorkais Kyle Gann quand il parle
d’un véritable Grand Canyon séparant les
quartiers résidentiels (sérieux, uniformes,
irréductibles, académiques) et le centre
ville (branché, minimaliste, hybride,
celui des sorties en boîte) devraient être
attentifs : Guy Livingston n’a jamais eu
de temps à perdre à de telles futilités
dignes d’un esprit de clocher, ses goûts
en musique ont toujours été aussi larges
qu’ils sont profonds et il n’a exclu aucune
école de composition pour des raisons soidisant
idéologiques. Ainsi, les amateurs
de concerts à Paris auront le plaisir inédit
de pouvoir entendre de grands maîtres
contemporains tels que Carter - jeune de
98 ans mais toujours en pleine forme -
Bolcom et Reynolds aux côtés de jeunes
stars montantes telles que Annie Gosfield,
Geoffrey Gordon et Ned McGowan.
Afin d’établir le contexte historique de
l’extraordinaire diversité de la musique
américaine du XXIe siècle, le programme
de Livingston sillonne également la terre
féconde du XXe siècle et en extirpe une
poignée de racines, comprenant une
sélection de chansons écrites par Charles
Ives (arrangées par Dominique Clément)
et Le Berceau de Gertrude Stein (1928)
de Virgil Thomson qui a, bien sûr, une
résonance typiquement parisienne en
commémorant le très célèbre habitant de
la rue Fleurus.

Grâce à leur expérience des projets Arrêts fréquents
et Sixty Seconds et, peutêtre
parce que ce sont des observateurs
avertis et perspicaces du monde du
téléchargement à haut débit d’unités de
son enregistrées sur le portable, dans
lequel nous vivons tous, l’Ensemble Aleph
et Guy Livingston reconnaissent, tous les
deux, que refléter la diversité absolue de
la musique américaine à travers seulement
quatre concerts, cela implique d’opter pour
des pièces relativement courtes ; parmi la
trentaine d’œuvres choisies, seules huit
dépassent la barre des quinze minutes.
Celles-ci comprennent une interprétation
simultanée assez ambitieuse des passages
de l’œuvre phare Concert pour piano et
orchestre, composée en 1958 par John Cage
( joué par Livingston), Aria, écrite pour la
légendaire Cathy Berberian qui date de la
même année, et de ses Lectures.
Les quatre concerts sont subtilement
organisés autour de lignes thématiques :
"Songs to dance" reprend le titre de
l’œuvre du même nom composée par
William Bolcom en 1989 et nous rappelle
que le jazz et la musique populaire
sont la plus influente contribution des
Etats-Unis à l’histoire de la musique du
XXe siècle. Le Corker pour clarinette et
percussions de Libby Larsen s’inspire
du swing des années 1940 et même les
tonalités anguleuses et les modulations
métriques de la Sonata for Cello and
Piano
révèlent des rythmes syncopés. Le
programme comprend également le War
Dance for Wooden Indians
de Raymond
Scott, pionnier de la musique électronique
et gourou de la bande sonore de dessin
animé, arrangé par Dominique Clément
(les mordus de cinéma seraient peut-être
heureux d’apprendre que l’on peut voir
Scott et son quintette jouer cette pièce dans
la comédie musicale Happy Landing écrite
par Roy Del Ruth en 1938). Mais si cela
vous semble trop rétro, je vous préviens
que l’on peut voir en live d’astucieux
ordinateurs portables dans One becomes
two de Steve Antosca.

Les pièces de Ives et Cage mentionnées
plus haut apparaissent dans le second
concert intitulé "Process" qui comprend
également le très raffiné Transfigured
Wind IV (1985) de Roger Reynolds pour
flûte et électronique et le I Met Heine on
the Rue Fürstenberg, chef d’œuvre de
Morton Feldman datant de 1971, pour
flûte, clarinette, violon, violoncelle, piano,
percussions et mezzo-soprano, d’une
délicatesse à vous couper le souffle!
Vous pourrez également vous régaler en
trouvant, sur la carte, du minimalisme
d’un tout autre genre sous la forme de
l’enjoué New York Counterpoint de Steve
Reich pour clarinette et bande. Cette pièce
forme un contraste splendide avec celle de
Reynolds composée la même année.
Reich vous offre le summum du
minimalisme le deuxième jour du festival
avec son classique Pendulum Music
datant de 1968. On y lâche sur scène des
microphones qui se balancent librement
et déclenchent de minuscules spots de
larsen quand ils croisent horizontalement
les haut-parleurs installés. Cette pièce
fait partie du programme "Machines"
qui comprend Brooklyn, October 5, 1941
d’Annie Gosfield pour piano joué avec
deux balles de base-ball (on ne peut pas
faire plus américain, n’est-ce pas ?), la
première interprétation de Serpents de
George Antheil, un tour de force1 de 75
secondes, à l’origine pour pianola, arrangé
par Livingston pour être joué à six mains
(trois pianistes sur le même piano - cela
devrait être amusant à voir), des morceaux
de percussions par Stuart Saunders
Smith et Will Ogdon, ainsi que Tools de
McGowan, ayant reçu le prix Henriette
Bosmans, une suite acharnée et énergique
de miniatures musculaires avec des titres
tels que "Wire Mesh", "Hole Punch" et
"Dual Track Grinder".
Le concert de clôture du festival, "Dreams/
Utopias", rapproche le cycle de chanson
de Virgil Thomson mentionné plus haut Le
Berceau de Gertrude Stein ou Le Mystère
de la rue de Fleurus (1928), la mise en
musique de la magnifique poésie de Sylvia
Plath, Ariel (1971) par Ned Rorem, et celle
des poèmes du mari de Plath, Ted Hughes
par Geoffrey Gordon, Fallen Eve, qui aura
sa première mondiale.

C’est également l’occasion unique, à ne
pas manquer, de voir l’une des œuvres
véritablement phares de la musique
expérimentale américaine, Credo in Us de
John Cage. Vous ne vous douteriez pas que
cette pièce fut composée il y a longtemps,
en 1942. A la fois provocante et hilarante,
elle exige un piano, des gongs assourdis,
des boîtes de conserve, une sonnerie
électrique et des tom-tom, ainsi qu’à
l’origine "une radio ou un phonographe"
(dans cette réalisation plus moderne, CMF
utilise un ordinateur portable pour cet
hommage ironique au rêve américain).
Par ailleurs, Corporate Miniatures de Bob
Strizich regorge de cynisme capitaliste. Le
festival se clôture avec Dream Sequence
(Images II), composé en 1976 par George
Crumb pour violon, violoncelle, piano,
percussions, et un harmonica de verre en
coulisses.
La musique contemporaine n’est ni
un exercice monotone du formalisme
académique, ni un ramassis de clichés
futiles à la mode. C’est une expérience
passionnante, vibrante, émouvante et
qui pousse à la réflexion – et je ne peux
imaginer un programme plus passionnant,
vibrant, émouvant et qui pousse autant
à la réflexion.
—Dan Warburton